文 | 立佳

编辑 | 美龄

19世纪是法国绘画空前繁荣和辉煌的全盛时期，特别是19世纪末兴起的印象派，它标志着法国绘画取得最高成就的阶段，作为视觉艺术的绘画手法已达到炉火纯青的境地。而且，印象派推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家都产生过或大或小的影响。

雷诺阿 照片

在所有印象派画家中，雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir 1841-1919）也许是最受欢迎的一位，因为他所画的都是漂亮的儿童、可爱的女人、娇艳的花朵、美丽的景色，雷诺阿把从他们那里所得到的赏心悦目的感觉直接地表达在画布上。他曾说过：“为什么艺术不能是美的呢？世界上丑恶的事已经够多的了。”他还是女性形象的崇拜者，他说 “只有当我感觉能够触摸到画中的人时，我才算完成了人体肖像画。”

《弹吉他的妇人》

雷诺阿生于法国利莫埃一个裁缝家庭，当地一直留有中古时代以来的传统，陶瓷、珐琅等工艺闻名于世，纺织业也很发达。1844年，全家迁居巴黎。1854年，13岁的雷诺阿到瓷器厂做学徒，学习绘制瓷器和屏风，这成了他的艺术启蒙，开启了他的绘画生涯。当学徒期间，雷诺阿常去卢浮宫临摹作品，对鲁本斯、华托、布歇、弗拉戈纳尔等的作品倍感兴趣。这些画家作品中华丽的色彩使雷诺阿倾倒，这对他一生的明快而富有表现的绘画基调都有影响。

《布吉瓦的舞会》

1862年，雷诺阿师从学院派画家格莱尔。格莱尔是严格的古典主义正统派画家，不过对于学生的态度却较为宽容，同时在格莱尔画室学习的人还有莫奈、巴齐耶、西斯莱等日后印象派运动的骨干。雷诺阿和莫奈经常共同外出写生作画，切磋画艺，共同探索画中的光与色的描绘。他们敬重德拉克洛瓦、库尔贝、柯罗等前辈画家，把当时因《草地上的午餐》而受挖苦的画家马奈引为同道。雷诺阿在德拉克洛瓦的色彩、柯罗的调子以及库尔贝的深入刻画等影响下成长起来，渐渐找到了自己的绘画形式。

《大浴女》

1874年，雷诺阿参加了第一次“沙龙落选展”，也就是后来所称的首次印象派画展，展出的《包厢》一画的在当时受到最尖刻的评论。随后以印象派所倡导的艺术技法创作出大量的富于个性的作品，从此，他成了印象派画家群体中的活跃分子。

《包厢》

雷诺阿抛弃了他创作中的一切来自外部的影响以及动摇与奢望，在一些以人物形象为主的画面上，创造了他自成一格的印象主义，创造了完全符合他的创作想象力的豪壮风格。《红磨坊街的舞会》就是当时雷诺阿的技巧和经验集大成的代表作，也是雷诺阿一生中最著名的作品之一。

《红磨坊的舞会》

雷诺阿用印象派绘法恣意表现规模宏大的场面、热闹欢乐的气氛。画面上，巴黎一露天咖啡馆兼舞场人头攒动、热闹非凡，人们形态各异，但都喜气洋洋，画面灵动欢悦，而人物脸上、身上，以及桌上、地上的斑驳光影，那种灵动闪烁迷离的光色变化，则是印象主义对光色变化高度敏感的充分体现。这种对视觉色彩变化的追求，能生动地传达出明亮快活的舞厅气氛和透过树叶间隙斑驳的光线所产生的明暗的协调。这种光线阴影错综、色彩丰富的技法，在同一时期的《秋千》、《阳光下的裸女》等作品中亦可见到。

《阳光下的裸女》

雷诺阿完成了《红磨坊街的舞会》之后，结识了夏班提夫妇，这对夫妇后来对雷诺阿的帮助非常大。受夏班提夫人之托，雷诺阿画了五幅关于夫人及其子女的肖像，《夏尔潘蒂埃夫人和她的孩子》就是其中的一幅。也正是这幅画，让雷诺阿在巴黎沙龙中获得好评。他获因此得到了1000法郎的酬金，这对贫困的雷诺阿来说，似乎是天降甘露，从此有了生活转机。

《夏尔潘蒂埃夫人和她的孩子》

在沙龙获得成功后，雷诺阿就开始外出游历，这也使得他的风格发生了转变。雷诺阿后来在与画商伏拉尔谈起他的艺术倾向转变的原因时说：“1883年左右，我随印象派已到了山穷水尽的地步。我终于不得不承认，不论油画还是素描皆已技尽。总之，对于我来说，印象主义是一条死胡同”。

《布洛尼森林公园的跑马道》

《蒿草中的上坡路》

《游艇上的午餐》可以说是雷诺阿印象派时期的最后佳作，也是他与印象派时代告别的标志。这幅画作雷诺阿没有经过事先的研究或者准备底稿。他花费了数月时间给作品做了很多改变，在他的模特有空的时候单独给每个人重新修饰，并且在上沿的地方加了张遮阳篷。然而，雷诺阿，但仍旧保持了清新的视角，运用着置一切规矩于度外的生动的、梦幻般的构图，比以往更多地突出了个别的形体，使用了更鲜明的色彩，通过改进、重新安排和再创造，使之成为一幅精致的美术创作，可以说是雷诺阿青春时代的光辉总结。

《游艇上的午餐》

雷诺阿并没有被印象派的表现手法所束缚，而是不断进行着艺术实践和勤奋的艺术探索。在这些晚期作品中，雷诺阿的形体感得到了完全的发展。他的构形巨大、丰满而充满了雕塑的味道，而且在构型间充满着韵律的流动。雷诺阿具备这种最罕见的艺术天赋——对形体的情感性的理解，创造如色彩般流动的、更令人满意的形体的能力。他创造的是纯粹的形体；它不是对自然的呆板的复制，而是一种原创的可塑的创造，基于自然的事实却又以最大限度的自由来对之加以运用，如音乐作品般满足人们对和谐与次序的感觉。在这种设计的品性中，雷诺阿早已超越了印象主义。

雷诺阿晚年在画室作画

雷诺阿不同时期的作品，题材、构图、色彩、画法等等，都在不断变化着，甚至风格迥异，判若几人，但是始终不变的，是他的画永远充盈着清新明快、悠闲舒适的快乐氛围，这无不透射出对生活的感悟和热爱。殊不知他年轻时为生活所困，晚年又疾病缠身，甚至瘫痪在轮椅上，但他每天仍然让人抬到画布前作画。直到1919年12月3日去世，这之前他一直没有停止过作画，临终前，他叫儿子递给他的仍然是素描用的铅笔。

《青蛙塘》

命运如此不公，雷诺阿却终其一生都在用画笔来歌颂生命之美。对美的捕捉和追求时常被误解，其实是对生命维度最深的感悟。正如雷诺阿所言：“这世界已有足够苦难，我并不需要创作或表达更多。美的东西能够在人类文明中长存。”艺术的最高使命是美，艺术家应该努力践行美。伟大的艺术品是美的典范，伟大的艺术情怀也是审美情怀。雷诺阿的艺术创作很好地说明了这个道理。

《雷诺阿 自画像》